Sixto Arias: “El consumidor ahora es más poderoso que nunca”

La mayoría de las empresas están inmersas en una profunda transformación digital. La razón fundamental es que los consumidores se han digitalizado y a las empresas no les queda otro remedio que adaptarse a las nuevas demandas de sus clientes. Ninguna empresa puede resistirse a la transformación digital, tienen que empezar a pensar de otra forma, tienen que reventarse. Leer más

Los 10 libros de Diseño Gráfico que no puedes dejar de leer

El Diseño Gráfico es una disciplina muy práctica que se llega a dominar tras muchas horas de intenso trabajo. Sin embargo, sin la adquisición de conocimientos teóricos, el Diseño Gráfico puede llegar a convertirse en un laberinto indescifrable. Hemos recopilado una lista de diez libros que pueden ayudarte a progresar en tu formación y a ampliar tu perspectiva de una profesión tan apasionante como la de diseñador gráfico. Ojalá los disfrutes tanto como nosotros.

 

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1. Arte y Percepción visual: psicología del ojo creador (Rudolf Arnheim)

Clásico entre los clásicos. La primera edición data de 1954. El libro que ha enseñado los conceptos básicos de la composición visual a casi todos los pintores, fotógrafos, ilustradores y diseñadores gráficos. Una obra maestra escrita por Rudolf Arnheim, filosofo y pedagogo alemán, que supuso en su momento el primer intento de aplicar a las artes visuales los principios básicos de la psicología de la Gestalt. El libro constituye un manual imprescindible para conocer los fundamentos del lenguaje visual y además enseña a analizar el arte con una mirada crítica.

 

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2. La sintaxis de la Imagen: introducción al Alfabeto Visual (Donis A. Dondis)

Su autora Donis A. Dondis fue una diseñadora gráfica formada en el Massachussets College of Art y fue profesora en la prestigiosa School of Public Communication de la Boston University. Su libro “La sintaxis de la imagen” se ha convertido en una obra de referencia fundamental para todos los diseñadores gráficos del mundo. La obra intenta establecer los principios de una teoría de la composición gráfica que aporte a los estudiantes las reglas de la gramática visual. El libro incluye numerosos ejemplos y referencias que recorren la pintura, la escultura, el cine, la arquitectura, la publicidad y la televisión.

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3. Psicología del color (Eva Heller)

Este libro explora cómo actúan los colores sobre nuestros sentimientos y emociones. Su autora Eva Heller defiende que las asociaciones entre los colores y los sentimientos no son accidentales ni obedecen a una cuestión de gustos. Se trata de experiencias universales que están profundamente arraigadas en nuestro lenguaje. “Psicología del color” proporciona una gran profusión de datos y curiosidades sobre los colores que van desde el refranero popular hasta la utilización de los colores en el tratamiento de enfermedades. El libro, que está estructurado en trece capítulos que se corresponden con trece colores distintos, se ha convertido en una obra de consulta obligada para diseñadores gráficos, pero también para terapeutas, artistas, arquitectos o publicistas.

 

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4. Cómo ser diseñador gráfico sin perder el alma (Adrian Shaughnessy)

Su autor, Adrian Shaughnessy, es profesor de Comunicación Visual en la School of Communication del Royal College of Art de Londres, ha sido director creativo del famoso estudio londinense Intro y en la actualidad es consultor en “This is real art”, una compañía de diseño virtual. “Cómo ser diseñador gráfico sin perder el alma” es una guía práctica que recorre todas las cuestiones a las que debe enfrentarse un diseñador gráfico al terminar sus estudios y enfrentarse al mundo profesional: tipos de trabajos, cómo funciona un estudio, consejos para autónomos, cómo captar clientes, etc.

 

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5. Roba como un artista: Las 10 cosas que nadie te ha dicho acerca de ser creativo (Austin Kleon)

Este libro ofrece diez principios que ayudarán a los diseñadores gráficos a descubrir su lado artístico y a llevar una vida mucho más creativa. Austin Kleon defiende la tesis de que ninguna idea es original y que de alguna manera todos los creadores roban sus ideas a otros artistas. A través de esos diez principios el autor desgrana valiosos consejos para desarrollar la creatividad. El libro es muy útil para diseñadores gráficos pero también los escritores, los pintores, los músicos o cualquier persona que tenga un proyecto creativo en mente y no se atreva a ponerlo en marcha, encontrará una guía imprescindible.

 

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6. Manual de Tipografía (John Kane)

Este Manual ofrece todo lo que un estudiante de Diseño Gráfico debe saber sobre tipografía. El libro expone los principios básicos de la tipografía y sus principales aplicaciones a través de un interesante recorrido por la historia y una equilibrada combinación de teoría y práctica. Sus páginas son un compendio de sabiduría sobre el uso de la tipografía y reúnen todo lo que hay que saber: descripción de las partes de la letra, clasificación de los distintos tipos o cómo funcionan los sistemas de retículas. La obra también incluye una breve historia de la tipografía, así como numerosos ejemplos y ejercicios prácticos.

 

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7. Diseño de logos. La guía definitiva para crear la identidad visual de una marca (David Airey)

David Airey es un conocido diseñador gráfico norirlandés. En este libro comparte muchas de las experiencias con un lenguaje directo y sencillo. La obra constituye una guía para diseñadores gráficos que quieran conocer a fondo el proceso de creación de un logotipo. Desde el briefing y los bocetos iniciales hasta el resultado final. El libro contiene numerosos casos reales y testimonios de expertos diseñadores como Paula Scher, diseñadora de los logos de Microsoft Windows o City, o Lindon Leader, creador de la identidad visual de FedEx. También muestra el trabajo de algunos de los estudios de Diseño Gráfico más importantes del mundo, como Moving Brands, Pentagram o MetaDesign.

 

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8. El arte de llevar una vida creativa (Frank Bernbach)

Para los profesionales de la creatividad (diseñadores gráficos, publicitarios, escritores o artistas) no es oro todo lo que reluce. El oficio de un profesional creativo suele acarrear largas jornadas laborales, incertidumbre y el temible miedo a la hoja en blanco. Este libro ayuda a armonizar el trabajo creativo con las rutinas propias de la vida diaria y ofrece numerosos recursos y herramientas para mantenerse centrados y no caer en el estrés o la ansiedad. Después del éxito de su best sellar “Psicología del color”, Frank Bernbach profundiza en temas tan importantes para el diseñador gráfico como cumplir con los plazos de un proyecto, estar a la altura de las expectativas del cliente, trabajar de forma disciplinada o mantener la motivación.

 

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9. El libro de ideas para el diseño gráfico: inspiración de la mano de 50 maestros (Steve Heller y Gail Anderson)

Una original obra que recopila las obras de 50 maestros del diseño gráfico, que muestran un amplio conjunto de técnicas que los diseñadores gráficos pueden aplicar a sus nuevos proyectos. Se trata de una guía práctica que reúne enfoques, ideas y pautas que hoy los profesionales utilizan en sus procesos de trabajo. Con cada nuevo capítulo es imposible resistirse a la experimentación. El estilo de la obra es directo y sencillo, sin tecnicismos, y proporciona numerosas fuentes de inspiración para los diseñadores gráficos que se enfrentan a un nuevo reto con cada nuevo briefing.

 

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10. Las Leyes De La Simplicidad (John Maeda)

John Maeda es uno de los grandes responsables de que el mundo sea hoy tal y como lo conocemos. Es una de las mentes más brillantes del diseño multimedia y es un ferviente defensor de la simplicidad. En este libro, John Maeda, norteamericano de origen japonés, licenciado en Bellas Artes e ingeniero por el Instituto Tecnológico de Massachusetts (MIT), proporciona diez claves para crear ideas que ofrezcan soluciones sencillas a problemas complejos. Esta metodología puede aplicarse en el diseño, los negocios, la tecnología, pero también en la vida diaria.

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¿Cuáles son las técnicas más habituales en diseño gráfico?

A lo largo de tu formación profesional, es importante que domines las diferentes técnicas de diseño gráfico que existen. Éstas pueden variar acorde al tipo de herramientas que estés usando, desde los clásicos lápices y plumillas hasta el uso de programas informáticos como Photoshop o Ilustrator.

Asimismo, también es importante tener en cuenta los sistemas de impresión existentes para llegar al producto final. Por eso mismo, te explicaremos las técnicas más habituales que existen en el diseño gráfico y en qué aspectos de tu carrera te serán útiles para su aplicación en diferentes proyectos.

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Técnicas de diseño e ilustración gráfica

Desde hace décadas, el dibujo ha sido una parte esencial de las diferentes ramas del diseño. A continuación, te explicaremos las técnicas más habituales en diseño gráfico que puedes aplicar con el uso de herramientas gráficas como lápices, estilógrafos, marcadores y plumillas.

➡ Ilustración hiperrealista

En el ámbito de la ilustración gráfica, el hiperrealismo destaca por su alta precisión de detalles. Esto comenzó como una técnica artística y muchos diseñadores optaron por dominar esta técnica gracias a su capacidad de llamar la atención, convirtiéndose así en una excelente herramienta para el diseño gráfico con énfasis en publicidad y marketing.

➡ Diseño de figurines

Entre las técnicas de diseño gráfico más conocidas se encuentran los figurines de moda. Estos dibujos, por lo general, se presentan en el ámbito de la moda, ya que sirven para esbozar la idea de una prenda de vestir, junto con accesorios y otros detalles.

➡ El sombreado

Si has investigado acerca del diseño de productos, es muy probable que hayas escuchado hablar de la técnica del sombreado. Esta consiste en el uso de líneas superpuestas con diferentes tonalidades para generar un efecto tridimensional en los dibujos. Esta es una de las técnicas más conocidas del diseño gráfico y se puede aplicar en toda clase de proyectos.

➡ Foreshortening

En un principio, el Foreshortening se utilizaba para la creación de personajes en diferente perspectivas y movimientos. Sin embargo, se ha extendido a otros ámbitos por su gran capacidad de personalización, por lo cual es de las mejores técnicas de diseño gráfico que puedes aprender si quieres impresionar con tus proyectos.

➡ Overlap

La técnica del Overlap consiste en la superposición de diferentes dibujos con el uso del sombreado para darle mayor dinamismo a tus diseños. Hoy en día, se usa en el ámbito del diseño gráfico, diseño editorial y diseño publicitario.

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Técnicas de diseño gráfico con programas informáticos

Tanto Photoshop como Ilustrator son programas informáticos que ofrecen un sin fin de herramientas para aplicar diferentes técnicas de diseño e ilustración gráfica para lograr ciertos propósitos, ya sea generar una imagen envejecida o aumentar las tonalidades de una fotografía. Aquí te diremos las más utilizadas.

▶ Smudge

Para lograr un efecto borroso o una imagen más dinámica, podemos usar la herramienta dedo de Photoshop para aplicar la técnica de smudge. Se puede combinar con diferentes pinceles hasta lograr el mejor resultado.

▶ Máscara de recortes

Otra de las técnicas de diseño gráfico más conocidas es la máscara de recorte. Con ella podrás enmascarar imágenes o capas en formas, fondos o selecciones y sirve para hacer figuras dinámicas con diferentes efectos en poco tiempo.

▶ Máscara de Capa

En diseño publicitario e ilustración gráfica, es habitual querer ocultar partes de una imagen por diferentes motivos. Sin embargo, si nos equivocamos, con la técnica de máscara de capa podrás revertir la ejecución y tu imagen volverá a su estado original.

▶ Capas de ajuste

La técnica de capas de ajustes te ayudará a modificar la saturación y el tono de imagen por capas. Lo primordial es saber fusionarlas bien para lograr el resultado deseado y poder conservar la imagen original en caso de que necesites alguna otra modificación.

▶ Filtros

Es muy común querer lograr una imagen envejecida en diseño e ilustración gráfica, por lo cual puedes usar los filtros para darle el aspecto final a tus fotografías. En Photoshop existen una gran variedad de filtros predeterminados, pero también puedes modificarlos bajando la opacidad, cambiando la opción de fusión o alterando los colores.

▶ Mood Board

Esta técnica se utiliza bastante en Ilustrator y sirve para experimentar con una gran variedad de herramientas de diseño para crear un collage rápidamente. Gracias a la versatilidad del Mood Board, se ha vuelto muy popular entre los diseñadores gráficos, por lo cual lo usan para recibir sus feedbacks antes del trabajo final.

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Tipos de impresión en diseño gráfico

Ahora que conoces las técnicas de diseño gráfico, repasaremos rápidamente los sistemas de impresión que puedes utilizar para obtener un prototipo o trabajo final.

⏺   Offset

También conocida como “imprenta tradicional”, este sistema de impresión transfiere la imagen a la superficie mediante presión, logrando así una alta calidad del diseño de folletos, carteles, revistas y libros enteros.

⏺   Digital

Otro de los sistemas de impresión en diseño gráfico que existen es la impresión digital, el cual consiste en la impresión directa de un archivo de imagen a papel con uso de cartuchos de tinta o tóner.

⏺   Huecograbado

El huecograbado se utiliza para lograr impresiones de imagen con alta calidad. Una de sus ventajas es que la tinta empleada es de secado rápido y no contiene tanta grasa, por lo cual es ideal para usarla en ediciones de libros y revistas de gran tirada.

Esperamos que te hayan servido estos datos y puedas aplicar las diferentes técnicas de diseño gráfico y sistemas de impresión en tus proyectos. Si quieres aprender algún curso de diseño, contáctanos y te ofreceremos más información.

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¿Cuál es la diferencia entre diseño gráfico y diseño web?

Toda agencia publicitaria está formada por distintos profesionales, entre los que destacan los diseñadores. Sin embargo, no todos saben bien cuál es la diferencia entre diseño gráfico y diseño web, creyendo que ambas disciplinas realizan el mismo trabajo.

Manejan conceptos similares, pero cada disciplina cuenta con un camino distinto y cumple diferentes propósitos.  En este artículo conocerás la diferencia entre diseño web y diseño gráfico para que puedas escoger el camino que mejor se ajuste a tus necesidades e intereses.

 

Qué se aprende con ambas disciplinas

Tanto en diseño gráfico como web es importante conocer conceptos clave sobre el uso del color, las imágenes y los textos para comunicar una idea al espectador. Lo diferente es el tipo de herramientas y finalidades de ambas disciplinas, las cuales veremos a continuación:

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▶ Diseño gráfico

Un diseñador gráfico aprende a desarrollar estrategias de comunicación mediante una serie de normas que implican la combinación de tipografías con imágenes, símbolos y colores en proyectos de cartelerías, diseño corporativo, folletos y muchos más.

En este aspecto, el diseño gráfico implica el uso de herramientas informáticas para elaborar material impreso o digital. Por lo tanto, se debe aprender a trabajar con imágenes que puedan impactar al consumidor y generar reacciones al público para que compre un producto o realice alguna acción en particular.

Dentro de la carrera de diseño gráfico, existen también ciertas especializaciones para aquellos que buscan algo más específico. Tal es así que, existe los que se enfocan en diseño editorial, imagen corporativa, diseño publicitario, packaging el retoque fotográfico e incluso los creadores del arte final para la preimpresión.

▶ Diseño Web

A diferencia del diseño gráfico, el diseño web es 100% digital, ya que se aprende a crear una app o página web. En este caso, el diseñador debe ser capaz de manejar conceptos como la interactividad, la navegabilidad y la arquitectura web para lograr una comunicación eficaz con el usuario.

Asimismo, el diseño web es una disciplina más específica que el diseño gráfico, porque el límite de trabajo es el internet. También, es mucho más complejo, porque debe aprender a manejar una serie de lenguajes de programación como HTML, JavaScript y PHP para mejorar la interfaz del usuario.

Dentro del diseño web, existen dos especialidades, el diseñador web Front-end y Back-end. El Desarrollador Front-end es el encargado de poner la parte visual de nuestro proyecto, lo que el usuario ve. Utilizando programas como Illustrator y Photoshop, maquetando páginas web con el lenguaje HTML y CSS.  Mientras que el Back-end tiene el control de la parte que el usuario no ve, utilizando el lenguaje de programación como Javascript, PHP, MySQL,… También existe un perfil que controla estas dos especialidades que se llama FullStack, otras subespecialidades que se adaptan a los objetivos de cada estudiante. Es así como se encuentran los cursos de HTML + CSS, los cursos de animación en HTML 5 y el diseño de sitios con WordPress.

Cuáles son los puestos profesionales

Otra gran diferencia entre el diseño gráfico y el diseño web es el puesto laboral que ocupa cada profesional. Si ambas disciplinas se prestan para trabajar como autónomos, están aquellos que optan por formar parte de alguna empresa para ocupar los siguientes puestos:

▶ Diseñador web

Toda corporación, empresa o negocio requiere de un diseñador web para que le ayuda con la creación de su sitio web, ya sea una tienda virtual o una app digital para interactuar con los usuarios.

Es así como un profesional en diseño web puede trabajar en una agencia publicitaria, el cual maneje una cartera de clientes que necesitan una buena interfaz que facilite a los usuarios realizar compras por internet o solicitar sus servicios desde la página de contactos.

Si optas por trabajar como autónomo, puedes ofrecer tus servicios a un local comercial o microempresa que necesite a un diseñador web para crear su página o actualizar la que ya tiene y facilitar a sus clientes realizar compras desde su tienda virtual.

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▶ Diseñador gráfico

Además de las empresas de publicidad, un diseñador gráfico también puede trabajar en una editorial, imprenta o cualquier empresa que necesite de sus servicios para elaborar afiches, folletos y logotipos.

Por lo general, el diseño gráfico se enfoca en todos los aspectos gráficos y visuales de las campañas publicitarias e, incluso, están aquellos que desarrollan imágenes para las redes sociales, trabajando en conjunto con las agencias de marketing y empresas de branding.

Como autónomo, podrás ofrecer tus servicios a una empresa pequeña para mejorar su imagen corporativa, diseñar o actualizar su logotipo y elaborar flyers publicitarios que capten la atención de clientes potenciales interesados en adquirir un producto o servicio.

Recomendaciones para escoger la que vaya acorde a tus objetivos

Como has podido notar, la diferencia entre el diseño gráfico y el diseño web es que, el primero, abarca conceptos más generales y se presta para una gran variedad de proyectos gráficos. El segundo, en cambio, es más específico y necesita un conocimiento en lenguaje de programación para mejorar una interfaz.

Para escoger entre una u otra disciplina, es importante que no solo sepas distinguir sus diferencias, sino que también explores tus propias motivaciones y objetivos profesionales. ¿Qué es lo que más te atrae? ¿La creación visual? ¿La interfaz de usuario? ¿Eres de los que, al navegar por un sitio web, piensas en lo anticuado que se presenta una interfaz? ¿O te llama más la atención un afiche colgado por la calle?

Si lo tuyo es el arte, el diseño y todo lo relacionado con el aspecto visual, lo mejor es estudiar diseño gráfico. Pero si prefieres centrarte en páginas de internet, te convendría más especializarte en diseño web.

También están los que deciden empezar con el diseño gráfico para adquirir conceptos básicos de lenguaje visual, teoría del color y diseño tipográfico. De ahí puede optar por especializarse en diseño web u otra ramificación del diseño para adquirir conocimientos más específicos.

Si te interesa saber más sobre la diferencia entre diseño gráfico y diseño web, contacta con nosotros y responderemos a todas tus preguntas.

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